Otras corrientes cinematográficas
Free Cinema
En febrero de 1956, más de dos años antes de la Nouvelle Vague francesa y treinta y nueve años antes del Dogma 95, un grupo de cineastas promovían su manifiesto en el National Film Theatre de Londres. Llamaron a su programa «Free Cinema» y llevaron sus cámaras a la calle, para capturar una mirada nueva, naturalista e improvisada sobre Inglaterra. Cuarenta y cinco años más tarde, los cineastas Karel Reisz y Lorenza Mazzetti, el crítico David Robinson y el director de fotografía Walter Lassally volvieron al National Film Theatre para asistir a una proyección de la sesión inaugural del Free Cinema y participar en un coloquio.
Se suele decir que el Free Cinema fue posible por los avances tecnológicos, película más rápida, especialmente la de 16mm, cámaras más ligeras...
Sus principales exponentes fueron:
-KAREL REISZ
-KEVIN MACDONALD
-WALTER LASSALLY
-DAVID ROBINSON
-LORENZA MAZZETTI
Cine Ojo
El cine-ojo nace a finales de 1919 en una Rusia recién azotada por la guerra civil. En un contexto de hambre y miseria, los artistas promovían una revolución artística, en consonancia con la social y política que se estaba llevando a cabo. Dziga Vertov, seudónimo que en realidad significa peonza giratoria (su nombre original era Philip Kaufman) se junta con Elizabeth Svilova, su mujer, y Mikhaïl Kaufman, su hermano, con motivo de promover esta revolución cinematográfica. Atacando duramente el cine de ficción, al que denominaban cine-mentira, y llevando a cabo una serie de documentales vanguardistas de cierta repercusión nacional, se hicieron llamar los ‘kinoki’. Su influencia en etapas posteriores fue tal que Jean-Luc Godard creó el Grupo Dziga Vertov en 1969 para rendirles homenaje.
Entre las características principales del cine-ojo destacan la búsqueda de la realidad y la espontaneidad; la ausencia de decorados preconcebidos, de actores profesionales, de maquillaje y efectos especiales. Atacaban duramente el cine de ficción, que se veía influido por la literatura y el arte dramático. Según sus propias palabras, querían captar ‘la vida de improvisto’ y ‘explorar el caos de los fenómenos visuales que llenan el espacio’. Aunque sus películas puedan parecer muy objetivas, rozando el tono documental (véase El hombre de la cámara), hay que tener en cuenta que lo que buscaban era “un ritmo propio, que no hayan sido sisado de otro lugar y que se encuentra en el movimiento de las cosas”. Eisenstein ya había dirigido La Huelga, El acorazado Potemkin y Octubre. A su vez, Pudovkin se había forjado un nombre con La Madre y El Fin de San Petersburgo.
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| El acorazado Potemkin |
Blaxploitation
De pronto el cine ya no eran protagonizado sólo por blancos; la producción total de actores, hasta el director, eran negros. Era el inicio de los 70 y del Blaxploitation: movimiento cinematográfico en el que los protagonistas fueron afroamericanos.
Durante mucho tiempo, los papeles estelares los conseguían los blancos, y los personajes atezados era los chicos malos y violentos de la historia. Con el Blaxploitation se dio un cambio en la forma de ver el cine: las nuevas producciones eran realizadas y protagonizadas por personas de color y el número de audiencia afroamericana iba en aumento, pues más personas se mostraban fascinadas por este tipo de películas, en las que se mostraban a estos personajes como héroes y no como villanos.
Los films del Blaxploitation se caracterizaron por la aparición de los peinados afro, las gafas grandes y el sabor negro que volvían al largometraje un proyecto único, cultural y entretenido. Este movimiento trajo éxito a las cintas de cine negro con sus peculiares bandas sonoras, particularmente de jazz, música que era producida por fabulosos artistas de la comunidad afroamericana.
Entre los compositores más reconocidos destacan:
-Curtis Mayfield
-Barry White
-Quincy Jones
-Isaac Hayes
El movimiento se inició con el film de Melvin Van Peebles: Watermelon Man, una comedia protagonizada por un racista que despierta y descubre que tiene piel negra. El largometraje muestra claramente el contexto de la época, además de ser el film que dio la bienvenida al cine afroamericano que hasta entonces era inexistente.
Underground
Una grossa definición del cine
Underground, o de vanguardia, podría estar dada por Sheldon Renan en 1967:
Es un filme concebido y realizado
esencialmente por una persona y como declaración personal de esa persona. Es un
filme que disiente radicalmente en la forma, o en su técnica, o de su
contenido, o incluso en todas estas. Usualmente se realiza por muy poco dinero,
frecuentemente por debajo de los mil dólares y su exhibición se sale de los
canales filmográficos comerciales.
El cine vanguardista norteamericano
o "underground”, fue la propuesta de los cineastas independientes en la
década de 1960, para salirse de la gran censura y creatividad limitada impuesta
por lo estudios de Hollywood. Estos nuevos cineastas, buscan en un principio
hacer sus propios alegatos sobre el arte y sus concepciones por medio de piezas
cinematográficas de carácter puramente personal, alejándose de lo que pudiera
ser concebido como "arte para todo público”.
Para finales de la década de 1960 el movimiento no puede ser más considerado
underground, ya que algunas obras empiezan a tener gran acogida comercial y
directores de los grandes estudios se empiezan a ver ampliamente influenciados
por la vanguardia experimental del movimiento con propuestas cada vez más
artísticas, alrededor de temáticas anteriormente censurables, poniendo en tela
de juicio muchas preconcepciones sociales norteamericanas.Eleanora Derenkowsky conocida como Maya Deren (Kiev, 29 de abril de 1917 - Nueva York, 13 de octubre de 1961) fue una directora de cine, bailarina, coreógrafa, poeta y escritora ucraniana nacionalizada estadounidense. Fue una de las principales realizadoras de cine experimental de los años 40. Se la considera la madre de cine underground, surrealista y de vanguardia en Estados Unidos.
Star-System
Durante los años de la Primera
Guerra Mundial, la producción cinematográfica norteamericana alcanzó su pleno
desarrollo, convirtiéndose en una de las industrias más prósperas del país;
cuando el conflicto alcanzó su fin en 1918, Estados Unidos se encontraba a la
cabeza del mercado cinematográfico mundial. En esta situación, los presupuestos
de las películas aumentaron de manera considerable y, con el fin de minimizar
los riesgos, se generalizó la aplicación de los modelos organizativos
desarrollados por Adolph Zukor en la Paramount.
Así aparece en la nueva industria el Star-System. Gloria Swanson, Louise Brooks, Claudette Colbert y Greta Garbo fueron estrellas de esta época, junto a los grandes cómicos. Ya en los años 20 aparecieron también el sistema de estudios (studio system), siguiendo el modelo de Irving Thalberg en la Metro, y el cine de géneros cinematográficos.
Cinéma Pur
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| Cinco minutos de Cinema Pur |
El movimiento también inclye la obra de la crítica y cineasta feminista Germaine Dulac, especialmente La coquille et le clergyman, La Souriante Madame Beudet, Disque 957, y Étude cinégraphique sur une arabesque. El objetivo de Dulac en ellos, al igual que en sus escritos teóricos es el cine 'puro', libre de cualquier influencia de la literatura, el escenario, o de las otras artes visuales.
New Queer Cinema
El concepto de cine queer no podría ser entendido como se entiende el día de hoy sin el trabajo de la académica y crítica cinematográfica B. Ruby Rich, quien en 1992 identificó y bautizó la creciente aparición de propuestas cinematográficas alejadas de las normas y convenciones del momento como el Nuevo Cine Queer (New Queer Cinema): “De pronto llegó una oleada de películas que hacían algo nuevo, renegociaban subjetividades, se apropiaban de géneros (genres) enteros, y repasaban la historia a través de su imagen”. (NQC, p. 16-7) No obstante, la urgencia que provocó el auge de disidencia cinematográfica y sexual a principios de una década vertiginosa –donde el VIH-SIDA, la discriminación y la violencia contra una comunidad marginada requería una respuesta igualmente urgente desde el arte– parece ya no influir de la misma manera en la creación de películas como parte de un todo más grande, un movimiento o una insurrección política y estética conjunta.
Como bien dice Rich: “Desde el principio el Nuevo Cine Queer era un término más adecuado para describir un momento que un movimiento. Su propósito era capturar el ritmo de un nuevo tipo de quehacer en cine y video: fresco, provocador, de bajo presupuesto, inventivo, libre de remordimientos, sexy y estilísticamente atrevido”.
Tercer Cine
El Tercer Cine, desdeñando el comercialismo hollywoodense del llamado “primer cine” y la búsqueda de autoría del “segundo cine” o cine europeo de arte y ensayo, trató de infundir ideales revolucionarios a las audiencias subvirtiendo las convenciones cinematográficas y descartando la recepción pasiva.
Se originó en Latinoamérica a finales de la década de 1960, y su influencia pronto se extendió por África y Asia. El tercer cine fue una respuesta cultural a la lucha anticolonial en África, la revolución cubana, el surgimiento de la conciencia de la comunidad negra en Estados Unidos y la reconceptualización de la dialéctica marxista y maoísta que hicieron los intelectuales de todo el mundo.
Sus raíces fílmicas se encuentran en el neorrealismo de la década de 1950 del brasileño Nelson Pereira dos Santos y del argentino Fernando Birri, así como en el movimiento del cinema novo de la década de 1960 que había revigorizado el cine brasileño.
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| "La hora de los hornos" |
Cine moderno
Técnicamente, el Cine Moderno surge con los nuevos cines principalmente en Europa, Estados Unidos y Japón entre 1945 y 1975, movimientos cinematográficos como el Neorrealismo Italiano (1945-1952) con directores como Roberto Rossellini, Vittorio de Sica y Luchino Visconte; la Nouvelle Vague Francesa (1958-1962) con Francois Truffaut, Jean Luc Goddard, Claude Chabrol y Eric Rhomer; el Free Cinema Inglés (1958-1965) con Karl Reisz y Tony Richardson, el Nuovo Cine Italiano (1955-1975) con Federico Fellini, Michelangelo Antonioni, Pier Paolo Passolini y Bernardo Bertolucci; en Norteamerica con el New American Cinema (1959- 1970) con directores como John Cassavetes; Jonas Mekas o Andy Warhol; y en Japón con toda la obra de Akira Kurosawa (1950 – 1970).
sí, el Cine Moderno surge bajo dos lemas estéticos e ideológicos: primero, mostrar la realidad del ser humano, su condición de sujeto insatisfecho pues no siempre alcanza el objeto de deseo como el amor, la fortuna o el éxito tal como lo mostraba el Cine Clásico. Segundo, el Cine de Autor, aunque este existió desde el comienzo del cine, la conceptualización y la política que lo promueven aparecen de una forma evidente en el Cine Moderno, ahora se caracteriza por la validación del director como autor único del film, él es quien debe expresar su arte siendo la cabeza creativa del film y mostrando su visión del mundo, no como en el Cine Clásico donde el Director era considerado un técnico más a la orden de las ideas del productor, siempre en función de las “Estrellas”, “Star System”.
Los temas más comunes del Cine Moderno están ligados a la exploración de la psicología humana, las realidades del sujeto, la infancia, la crisis de la institución familiar, el cuestionamiento al matrimonio, la infidelidad, la homosexualidad, la caída de la figura paterna.
Fuentes:
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